Tra estetica pittorica e critica al progresso, il primo lungometraggio di Yoshitoshi Shinomiya è una poesia visiva imperfetta nella narrazione, ma indimenticabile nel complesso
L’animazione giapponese sta vivendo una delle sue stagioni più importanti a livello internazionale. Dopo il successo globale di opere capaci di conquistare il grande pubblico come Demon Slayer: Kimetsu no yaiba – Il Castello dell’Infinito e Chainsaw Man – Il film: La storia di Reze, il cinema anime è ormai entrato stabilmente nei programmi dei più prestigiosi festival cinematografici mondiali. In questo panorama sempre più aperto alla contaminazione tra cinema d’autore e animazione commerciale si inserisce A New Dawn, primo lungometraggio diretto da Yoshitoshi Shinomiya, presentato in concorso alla 76ª Berlinale e premiato con il riconoscimento della giuria nella sezione Contrechamp di Annecy 2026. Distribuito nelle sale italiane come evento speciale dal 23 fino al 29 luglio grazie ad Animagine, progetto nato dalla collaborazione tra Dynit e Adler Entertainment, il film rappresenta un debutto particolare: un’opera breve, della durata di appena 76 minuti, ma costruita come un lungo dipinto in movimento, sospeso tra nostalgia, tradizione e trasformazione.
Yoshitoshi Shinomiya: dall’universo di Makoto Shinkai alla regia
Prima di arrivare alla regia, Shinomiya ha costruito la propria carriera all’interno di alcune delle produzioni più importanti dell’animazione giapponese contemporanea. Il suo percorso è iniziato lavorando agli sfondi di alcune delle opere più prestigiose di Makoto Shinkai come Viaggio verso Agartha e Il giardino delle parole, per poi partecipare come animatore chiave al successo mondiale di Your Name., realizzando alcune delle sequenze più riconoscibili legate ai ricordi e alla dimensione emotiva del film.
La sua formazione è però profondamente legata anche alla pittura tradizionale giapponese. Questa influenza emerge in ogni elemento di A New Dawn: dalla composizione delle immagini alla gestione della luce, passando per una particolare attenzione ai dettagli naturali e agli effetti cromatici. Per permettere al regista di mantenere il controllo sulla propria visione artistica, la produzione ha adottato un metodo di lavoro insolito, consentendogli di intervenire personalmente anche in fasi come il color grading e il compositing. Il risultato è un film in cui ogni fotogramma sembra possedere una propria identità pittorica.
Una storia di amicizia, perdita e ultimo desiderio
La vicenda racconta una delle problematiche classiche del modernismo e dell’espansionismo giapponese. Ambientata a Niura City, una località immaginaria ispirata probabilmente alla zona di Miura, nella prefettura di Kanagawa, poco distante da Tokyo, vede come protagonisti tre ragazzi: Keitaro, Kaoru e Sentaro.
Niura City è un luogo segnato dal passaggio del tempo, dove la natura convive con l’espansione urbana e dove il ricordo del passato rischia lentamente di scomparire. Qui si trova la storica fabbrica di fuochi d’artificio della famiglia Obinata, destinata alla demolizione dopo un provvedimento amministrativo che obbliga la famiglia a lasciare la propria abitazione. Il proprietario, il padre dei fratelli Keitaro e Sentaro, scompare improvvisamente, lasciando dietro di sé un’eredità incompiuta: lo Shuhari, un misterioso fuoco d’artificio leggendario che avrebbe dovuto rappresentare il culmine della tradizione familiare.
Kaoru, un’amica d’infanzia trasferitasi a Tokyo per evolversi professionalmente, torna nella città natale. Qui ritrova Keitaro, ancora legato alla memoria del padre e deciso a completare quell’ultima creazione prima che la fabbrica venga cancellata definitivamente. A loro si unisce proprio Sentaro, nonostante sia ormai inserito nella macchina amministrativa locale. In poche ore, i tre ragazzi devono affrontare anni di distanza, silenzi e rimpianti, scegliendo di inseguire un’impresa apparentemente impossibile: realizzare un ultimo spettacolo capace di salvare ciò che sembra ormai perduto.
Tra Shuhari e il verde di Parigi
Al centro del film c’è proprio il concetto di Shuhari, termine appartenente alla filosofia delle arti marziali giapponesi che indica tre fasi fondamentali dell’apprendimento: seguire la tradizione, romperne i confini e infine trovare una propria strada. Questa idea diventa il cuore simbolico dell’opera. Lo Shuhari non è soltanto un fuoco d’artificio, ma rappresenta il rapporto complesso tra genitori e figli, tra passato e futuro, tra eredità ricevuta e necessità di cambiare.
Anche il significato dei fuochi d’artificio assume una dimensione poetica particolare. In giapponese, hanabi significa letteralmente “fiori di fuoco”: un’immagine perfetta per descrivere un’arte effimera, destinata a vivere soltanto pochi secondi ma capace di lasciare un ricordo permanente. Il gesto finale dei protagonisti diventa quindi una forma di comunicazione estrema: ciò che non è stato possibile dire con le parole viene affidato alla luce che esplode nel cielo.
Altra chicca interessante è il titolo originale del film, Hanarokushō ga Akeru Hi ni, che può essere tradotto come “il giorno in cui albeggia il verde di Parigi”. Un riferimento apparentemente enigmatico, ma fondamentale per comprendere la poetica dell’opera. Il verde di Parigi era infatti un pigmento ottenuto dall’acetoarsenito di rame, utilizzato nell’Ottocento per decorare carte da parati, abiti e opere d’arte grazie alla sua tonalità brillante. Solo successivamente emerse la sua natura tossica, tanto da essere impiegato anche come veleno per topi.
Allo stesso tempo, questo composto veniva utilizzato nella pirotecnica per creare spettacolari riflessi azzurro-verdi nelle esplosioni. È una metafora perfetta per il cinema di Shinomiya: la bellezza può nascere anche da qualcosa di fragile o pericoloso, ma porta sempre con sé un prezzo da pagare.
Un Giappone trasformato tra memoria e futuro
Dietro la storia personale dei protagonisti si nasconde una riflessione più ampia sul Giappone contemporaneo. Shinomiya racconta il rapporto difficile tra progresso, sviluppo urbano e perdita del paesaggio naturale. L’idea del film nasce proprio da un episodio autobiografico: il figlio del regista, guardando fuori dal finestrino dell’auto, indicò una distesa di pannelli solari pensando fosse il mare. Quell’immagine ha ispirato una riflessione sulla trasformazione del territorio giapponese dopo il 2011 e sulla progressiva sostituzione degli ambienti naturali con nuove infrastrutture.
In A New Dawn, la distruzione della fabbrica non rappresenta soltanto la fine di un’attività familiare, ma il simbolo della scomparsa di un rapporto più antico tra uomo e ambiente. Il paradosso centrale del film è proprio questo: per celebrare la memoria della natura, i protagonisti devono incendiare il cielo con un’esplosione artificiale.
Una meraviglia visiva con qualche limite narrativo
Dal punto di vista estetico, A New Dawn è un’opera straordinaria. Shinomiya costruisce un universo fatto di colori morbidi, verdi luminosi, cieli attraversati dalla minaccia dei tifoni e paesaggi che sembrano dipinti a mano. La scelta di un’animazione spesso limitata, con ambienti quasi immobili attraversati soltanto da piccoli movimenti, tende mosse dal vento, acqua increspata, oggetti che sembrano prendere vita, crea un effetto originale, quasi vicino alle atmosfere dei vecchi videogiochi d’avventura punta e clicca.
Il film alterna inoltre momenti di animazione tradizionale a sequenze sperimentali, con inserti in stop motion o variazioni stilistiche improvvise utilizzate per rappresentare stati emotivi e percezioni alterate dei protagonisti. Tuttavia, questa straordinaria forza visiva finisce talvolta per mettere in ombra la componente narrativa. Alcuni dialoghi risultano eccessivamente esplicativi, mentre i personaggi appaiono meno approfonditi rispetto agli ambienti che li circondano.
Kaoru, pur essendo la protagonista, rimane spesso distante dal conflitto centrale, mentre il rapporto tra i tre amici avrebbe meritato maggiore spazio per sviluppare pienamente emozioni e motivazioni. È una fragilità tipica delle opere prime: Shinomiya possiede già uno sguardo artistico estremamente riconoscibile, ma deve ancora trovare un equilibrio tra potenza visiva e costruzione narrativa.
Conclusioni
A New Dawn è un film che trova la propria forza nella capacità di trasformare un racconto semplice in una riflessione universale sul tempo, sulla perdita e sulla necessità di lasciare una traccia. Non è un anime costruito soltanto per stupire con grandi esplosioni o sequenze spettacolari: è un’opera intima, malinconica e contemplativa, dove ogni colore e ogni dettaglio nascondono un significato più profondo.
Il debutto di Yoshitoshi Shinomiya non è privo di imperfezioni, ma rappresenta qualcosa di raro: la nascita di una nuova sensibilità artistica. Un film fragile come un fuoco d’artificio, destinato a durare pochi istanti, ma capace di illuminare il cielo abbastanza a lungo da lasciare un ricordo.
